THEATERstrukturen erneuern!

Was Frank Alva Buecheler darüber zu sagen und welche konkreten Vorschläge zu machen hat ist verschiedenen Essays und Beiträgen für www.novo-argumente.com zu entnehmen.

GEFÜHL, WITZ, TURBULENZ

In Westsachsen lockt der Broadway: Am Theater Plauen-Zwickau hatte das Musical SWEET CHARITY Premiere – mit Herzblut inszeniert und mit vielen Bravos gefeiert

Die Band wendet dem Publikum den Rücken zu. Drei Videowände flimmern, was das Zeug hält. Man ist auf alles gefasst. Doch als es dann richtig losgeht, zieht binnen kurzer Zeit Ruhe und Frieden ein. Die Musik schwenkt öfter um, die Videos werden sparsam eingesetzt, beherrschen keineswegs die Szene. SWEET CHARITY … hat am Theater Plauen-Zwickau alles, was das Herz begehrt: Gefühl, Witz, Turbulenz.

Es wird so zum einen ein illustrer Ausflug in die vergleichsweise heile Welt der 1960er-Jahre (nicht zuletzt dank der Freude machenden Kostüme von Hannelore Nennecke), zum anderen eine zeitlose Geschichte, zu deren Quellen letztlich sogar die deutsche Romantik zu zählen ist. Nicht umsonst legt Regisseur Frank Alva Buecheler einem der Helden das von Robert Schumann vertonte Heine-Gedicht Wenn ich in deine Augen seh’ in den Mund.

Die Hauptfigur des 1966 uraufgeführten Stücks aber heißt Charity Hope Valentine. Ihre Namen sind Programm: Barmherzigkeit, Hoffnung, Liebe. Dass ausgerechnet ein New Yorker Animiermädchen diese Werte verkörpert und ihnen über alle Höhen und Tiefen der Handlung hinweg treu bleibt, macht zu großen Teilen den Reiz der Vorlage aus.

Mit Sandrine Guiraud ist die Rolle hervorragend besetzt. Guiraud weiß hinreißend zu swingen, hat Stimme und Temperament, vermag vor allem aber das Herzensgute und Naive der Figur glaubhaft zu verkörpern. Thomas Christ, der die drei Partner der Charity spielt, ist mit allen Musical-Wassern gewaschen und bringt selbst dann noch eine tüchtige Prise Show ins Geschehen, wenn er den verklemmten Oscar zu geben hat.

Frank Alva Buecheler nutzt darüber hinaus einfallsreich die Möglichkeiten eines Stadttheaters, das noch alles hat. Ihm gelingt es, die einzelnen Sparten zu einer Gemeinschaftsleistung zusammenzuführen, die einem zeitweise den Atem stocken lässt. Das Gezeigte mag in diesem und jenem Punkt nicht unbedingt Broadway-Qualitäten erreichen, muss es vielleicht auch nicht. In jedem Fall werden das hektische Leben der Großstadt, die Sehnsüchte der kleinen Leute, Sein und Schein, Abgründe und Verheißungen der modernen Welt auf packende Weise lebendig. Vor den wandlungsfähigen, immer für eine Überraschung guten Bühnenbildern von Robert Pflanz agieren Chor und Ballett mit Herzblut, erfüllen mit sichtlicher Freude auch manch ungewohnte Aufgabe, geben so jedem der Randpersonen – es mö-gen an die hundert sein – ein Gesicht.

… Kapellmeister Tobias Engeli ist ein sicherer, wohltuend locker zur Sache gehender musikalischer Leiter. Die unter ihm musizierende, durch einige Spezialisten verstärkte Orchesterauswahl entfacht nach einer kurzen Aufwärmphase einen famosen Big-Band-Sound. Die Premiere wurde mit grossem Beifall und vielen Bravos bedacht.

Freie Presse Sachsen, 21.04.2011

INTENSIVES SPIEGELBILD SEINER ZEIT

Fränkisches Theater Massbach spielt Strindberg-Drama FRÄULEIN JULIE

Der Schwede August Strindberg war immer ein unbequemer Autor, nicht nur in seinem Umgang mit dem persönlichen Umfeld. In seinen frühen Schriften äußerte er derart vehemente und realistische Kritik an den Institutionen und gesellschaftlichen Strukturen seines Heimatlandes, dass ihn die ebenso heftige Kritik der Getroffenen 1883 zwang, das Land zu verlassen, um sich erst in Frankreich und dann in der Schweiz niederzulassen. Dort entstand 1888 sein Drama „Fräulein Julie“, das dazu beitrug, dass Strindberg als Frauenfeind bekannt wurde.

In der Tat kommt die Grafentochter Julie nicht gut weg bei ihm. Das wird vielleicht nicht verständlich, aber begreifbar vor Strindbergs autobiografischen Untergrund. Denn er stand kurz vor der Scheidung von seiner ersten Frau Siri, um später noch zwei weitere Eheversuche zu starten, die beide nach kurzer Zeit scheiterten. Kann sein, dass er da seine eigene Mohrenwäsche betreiben wollte.

Allerdings ist der Stoff jenseits aller Strindbergschen Befindlichkeiten ein gesellschaftlicher Spiegel seiner Zeit: In der Mittsommernacht – der Graf und Hausherr ist abwesend – verliert seine Tochter, das Fräulein Julie, ihre gesellschaftliche Contenance und tanzt mit dem Personal. Und nicht nur das: Sie taucht plötzlich in der Küche im Keller des Schlosses auf und beginnt mit Jean, dem Diener zu flirten, mit ihm und seiner Position des Untergebenen zu spielen, misstrauisch beäugt von Kristin, der Köchin und offiziellen Verlobten Jeans. Bei vielen Autoren wer das der Stoff für eine Komödie: Nach vielen Verwechslungen und Irritationen und Überwindung aller gesellschaftlichen Schranken heiratet Aschenputtler schließlich die Prinzessin und sie werben glücklich bis an das Ende ihrer Tage.

Strindberg ist brutal

Aber Strindberg ist brutal. Bei ihm gibt es kein Aufweichen der Klassenschranken. Die Rollen lassen sich nicht auflösen oder vertauschen. Bei ihm mündet das Spiel „Herrin wird Dienerin und Diener wird Herr“ in der Katastrophe. Vielen Inszenierungen genügt dieser Mechanismus. Und wenn Julie am erschöpften Ende sagt: „Ich muss die Folgen tragen“, dann sieht man in logischer Konsequenz schon den Revolver auf dem Schminktisch liegen.

Unerwartet deutlich

Aber für die Massbacher hat Frank Alva Buecheler das Stück inszeniert, und der gibt sich damit nicht zufrieden. Zusammen mit seinem Team hat er das Drama mit einem Skalpell seziert und die wesentlichen Dinge in unerwarteter Deutlichkeit heraus-geschält. Für ihn gibt es keine Linearität in der Entwicklung der Personen. Für ihn ist die ausgelassene Leichtigkeit der Mitt- sommernacht der Auslöser der Affäre von Julie und Jean, aber nicht die Ursache. In Buechelers Deutung hat sie keine Sponta-neität, sondern beginnt wesentlich früher. Bei ihm ist Fräulein Julie keine Brecht’sche Eva, die mit Eifer und Begeisterung das Armsein und Dienen lernen will, um den Knecht Matti heiraten zu können, sondern sie ist eher in die Nähe einer fanatischen Salome gerückt. Als Julie in den Keller hinuntersteigt, hat ihr perfides Spiel um den Kopf des Jean längst begonnen. Sie ent- puppt sich als eine hysterische, despressive, rücksichtslose, verzogene Tochter des Hauses, der der Mensch Jean vollkommen gleichgültig ist, die mit dem Diener ihr Spielchen treiben will, die in betrachtet wie die Katze eine Maus, die aber auch aus sich selbst heraustritt und über sich selbst erschrickt, weil sie immer wieder erkennt, dass sie der Situation und den Konsequenzen ihres Verhaltens nicht gewachsen ist.

Ausgefeilte Regie

Andererseits erzählt Jean zwar, dass er Julie als Kind heirate wollte. Aber dieses Kapitel ist für ihn abgeschlossen. Er hat gelernt, wo in diesem Haus und in dieser Gesellschaft sein Platz ist. Natürlich findet er Julies Ansinnen interessant, aber er bleibt Diener, auch wenn er den Herren spielen muss, weil es von ihm verlangt wird. Er macht mit, weil er nicht weiß, wie er Julie ohne schlimmere Folgen für ihn – und auch für sie – wieder loswerden kann.

Dazu kommt als nicht immer anwesende Beobachterin von außen die Köchin Kristin, die mit ihrer fest zementierten christlichen Moral Julie verurteilt und verabscheut, und de genau weiß, dass sie ihren Jean vielleicht verliert, aber bestimmt nicht an Julie. Mit einer ausgefeilten psychologisierenden Personenregie mit viel Gespür für die komplexen Beziehungen und mit viel Zeit für deren Entwicklung hat Buecheler eine Spannung erzeugt, in der man bei der Premiere im Zuschauerraum eine Stecknadel hätte fallen hören können.

Ideale Besetzung

Allerdings ist Silvia Steger auch eine ideale Julie. Nicht nur weil sie mit enormem Engagement die verkorkste Gutsbesitzers-tochter spielt, weil sie ihr Inneres voll nach außen kehrt, weil sie ständig changiert zwischen kühler Distan und unkontrollierten Ausbrüchen. Sondern auch, weil sie ein außergewöhnlich differenziertes Blick- und Mienenspiel hat, weil sie mit einer Bewegung mehr sagen kann als mit einem langen Monolog und weil sie mit ihren Augen ganz andere Dinge ausdrücken kann, als ihr Mund gerade erzählt. Das schafft die Verdichtung und Überlagerungen der Prozesse, die unter die Haut gehen. Philipp Eckelmann ist ihr als Diener Jean ein Partner, der seine Situation des Hin- und Hergerissenseins glänzend gestaltet, auch in seiner Körper-sprache, die Julies Avancen genießt, sich ihnen aussetzt mit der Überlegenheit des von vornherein Unterlegenen, weil er weiß, dass Julie spätestens bei der Rückkehr des Grafen de Kürzeren zieht. Und Sandra Lava spielt eine Köchin Kristin, die den Kampf der beiden meistens von außen beobachtet und sie mit tiefster, mitleidloser Überzeugung verachtet, weil sie ganz genau weiß, wie die Sache enden muss.

Dieses Von-außen-Beobachten ermöglicht des sparsam, aber höchst wirkungsvolle Bühnenbild von Anita Rask Nielsen: In einem hermetischen Keller, der durch Lichtschächte im Hintergrund angedeutet ist, hat sie weiße Trennwände mit großen Sprossenfenstern gestellt, die ein Innen und Außen schaffen, die ausgrenzen. Dabei ist die Küche völlig leer, unbehaust. Wenn sich die drei setzen wollen, müssen sie erst Hocker oder eine Tisch hinein tragen. Dazu hat Daniela Zepper wunderschöne Kostüme geschneidert, die im Kontrast eine heile Welt signalisieren, der die handelnden Personen ebenso wie das Publikum auf den Leim zu gehen Gefahr laufen.

Hohe Spannung

So fügt sich die Inszenierung zu einem enormen Spannungsfeld, das Buecheler – einmal mehr – sehr geschickt und sehr modern auflöst. Denn bei ihrem Blick auf die Konsequenzen, also in die Zukunft, schaut Julie ins 21. Jahrhundert – ähnlich wie Effi Briest in Hermine Huntgeburths Verfilmung – und man spürt, dass sie nicht bereit ist, ihr Verhalten mit ihrem Leben zu bezahlen, darin keine Notwendigkeit sieht. Zum anderen war es eine großartige Idee, die drei Akteure ganz zum Schluss noch einmal einzele Schlüsselsätze des Dramas rekapitulieren zu lassen, als würden sie aus einem Traum erwachen.

Da löste sich die Spannung, da gewannen sie Distanz. Da konnte man auch als Zuschauer wieder zu seinem Optimismus finden. Eine großartige Produktion.

Thomas Ahnert, Saale-Zeitung, 28.10.2009

Uraufführung am Opernhaus Halle

EDGAR ALLAN POE

SO VIEL INNENHANDLUNG GIBT ES SELTEN

Langer Applaus für die Maßbacher mit Hauptmann EINSAME MENSCHEN in einer Neubearbeitung

BAD KISSINGEN. Manchmal hat man im deutschen Kulturleben auch Glück. Da hofft man dann, dass möglichst viele es mer- ken. Der Region Bad Kissingen ist solches Glück beschieden in Zeiten, in denen viele Sprechbühnen sich als publikumsfeindliche Spielwiese selbstverliebter Regisseur ins Abseits katapultieren oder politisch gewollt durch höchststaatliche Finanznebel von der Bildfläche verschwinden oder sich dem seichten Mainstream-Geschmack bis zur Selbstentäußerung anbiedern. Und dann dies. So ganz allmählich hat sich in der Nachbarschaft von Bad Kissingen im mit nur zwei Ensembletheatern nicht gerade verwöhnten Unterfranken ein kleines Theaterwunder ereignet und es ist aus einer verlässlichen, verdienstvollen Bühne im ländlichen Raum ein quicklebendiges kulturelles Zentrum geworden. Vieles hat Prinzipalin Anne Maar, Enkelin der Gründerin Lena Hutter, am Fränkischen Theater Schloss Maßbach bewirkt. Für die Freunde des Sprechtheaters gehört dazu, dass sie sich mit dem Berliner Frank Alva Buecheler nun regelmäßig einen Spezialisten für das europäische Drama des Naturalismus als Gastregisseur ans Haus holt, der schon zweimal mit Stücken Ibsens und jetzt auch mit Gerhart Hauptmanns frühem Schauspiel „Einsame Menschen“ die psychologischen Problemwelten des ausgehenden 19. Jahrhunderts hautnah ins 21. zu holen vermag. Und Hauptmanns drittes Bühnenwerk macht da von der Textgestalt her ungleich mehr Probleme als Ibsens Ehedramen, weshalb Buecheler auch mit Zustimmung der Hauptmann-Erbin Anja eine Neufassung erarbeitet hat.

Ästhetisch konsequent

Doch nicht nur beim Text ich Buechelers ästhetisch konsequenter mit seiner Vorlage umgegangen als bisher: In teilweise nur Minuten dauernden Sequenzen löst er Hauptmanns Fünf-Akt-Struktur auf, unter-teilt durch kurze, an Phrasen aus spä- tromantischer Musik erinnernde Klavierpassagen von Massbachs Hausmusiker Ingo Pfeiffer. Das wirkt sperrig, illusionszer-störend, stellte die zu Mosaikfragmente vereinzelten Textpassagen schlaglichtartig den Zuschauern zur geistigen Auseinan-dersetzung vor Augen. Mit genauester Choreographie und Personenregie, unterstützt von der zwischen Abstraktheit und Realismus angesiedelten Bühne von Anita Rask Nielsen und einer klugen Licht- und Tongestaltung von Robert Werthmann, machte Buecheler es seinen Zuschauern möglich, die nie vordergründigen, sondern im Atmosphärischen angesiedelten Katas-trophen in diesem Stück zu erfassen, das Beziehungsmosaik aus dem 19. auf einer im 21. Jahrhundert angesiedelten Ebene des Wissens um menschliche Verhaltens- und Fühlweisen zu verstehen. Das setzt natürlich voraus, dass das Ensemble zu solch subtilem und genauem Spiel fähig war. Die sechs Schauspieler zeigten sich dieser Aufgabe gewachsen. In Buechelers Textfassung ist die Bedeutung der Eltern des Privatgelehrten Vockerat, eines in den Konventionen der Bürgerlichkeit und der Religiosität festgelegten Paares zwar etwas zurück-genommen, doch Eike Domroes als aufbrausender Kaufmannspatriarch, der seinen Sohn zur Ordnung ruft, und Tommy Völckers als ständig aufgeregt mit Tischauf- und –abdecken beschäftigte und dabei christliche Moral predigende Mutter waren dennoch eindrucksvolle Vertreter der gesellschaftlichen Zwänge, denen sich ihr Sohn Johannes widersetzen möchte. Christian Skibbe gab Johannes’ Freund, den aufmüpfigen Bürgerschreck und Maler Breo Braun, als einen Vorverweis auf die Generation, die dann ein paar Jahrzehnte später wirklich aufräumen wollte mit dem Bürgertum, auf den ‚jungen Wilden’ Bertolt Brecht, von dem er auch immer mal zitatweise eine kleine Melodie auf den Lippen hatte.

Begrenzte Rebellion

Johannes Vockerat sieht sich ebenfalls als Überwinder der Bourgoisie, doch beschränkt sich seine Rebellion zunächst auf die Ebene der Philosophie, wo er mit Positionen des Darwinismus, Atheismus seine Eltern zwar befremdet, sich aber doch gerne in seinem bürgerlichen Lebenswandel von ihnen finanzieren lässt. Erst als dem sich von allen unverstanden Wähnenden die Philosophiestudentin Anna Mahr, eine flüchtige Bekannte Brauns, ins Haus schneit, glaubt er, im Ausleben der Seelenverwandt-schaft mit ihr, die Susanne Pfeiffer als ebenso warmherzig liebenswürdige wie intellektuell faszinierende Person darstellte, seine kleine persönliche Revolution erleben zu müssen. Steffen Nowak, ein klein wenig zu jugendlich wirkend für die Rolle, machte die Stadien der sich entwickelnden Leidenschaft für Anna in ebenso subtilen kleinen Verhaltensschritten sichtbar wie Susanne Pfeiffer die zögerlichen der Anna Mahr. Einfühlende genaue Beobachtung ließ die Zuschauer zwar sehr wohl Wut und Kritik empfinden angesichts der Egozentrik, Fühl- und Rücksichtslosigkeiten gegenüber der Familie und dem seine Gefühle immer wieder wegrationalisieren wollenden Johannes, doch ließ sie auch seine persönliche Tragik erkennen, die ihn in den Freitod treibt, als Anna ihn doch verlässt.

Tragische Hauptfigur

Zur tragischen Hauptfigur wurde in Buechelers Inszenierung Vockerats Ehefrau, von Sandra Lava mit solcher Eindringlichkeit gespielt, dass so manch ein Zuschauer hinterher meinte, es sei ja befriedigend gewesen, dass sich der rücksichtslose Johannes am Ende endlich umgebracht habe. Weit weg von dem Dummerchen, zu dem die Figur in den meisten der – allerdings wenigen – Inszenierungen des Stückes gemacht wurde, ließ Sandra Lava das Leiden dieser jungen Frau zum Mittelpunkt des Publikums-interesses werden. Käthe Vockerat liebt ihren Johannes abgöttisch, sie hat sich zurückgezogen in die Rolle der Ehefrau und Mutter, sie leidet darunter, dass sie ihm bei seinem geistigen Beschäftigungen nicht folgen kann, dass ein wesentlicher Bereich seiner Persönlichkeit ihr verschlossen bleiben muss. Und sie kämpft selbst zerstörerisch gegen ihre Eifersucht, als Johannes in der ihr auch sympathischen Anna ein gleichwertiges Pendant gefunden hat. Selten hat man im Kurtheater so viel Innenhandlung so greifbar und begreifbar dargestellt bekommen – und das in einem Stück, das schon vor einem Jahrhundert als verstaubt galt. Dass die Massbacher das geschafft haben, lohnte ihnen der begeisterte Applaus, der zum Amüsement von Publikum und Spielern sogar noch andauerte, als der Bühnentechniker sich schon anderem als der Bühnenbeleuchtung zugewandt hatte. Er musste noch mal ran, denn auch beim sechsten Vorhang wollten die Zuschauer die ob ihres Erfolges sichtlich stolze und glückliche Truppe noch einmal bei Licht besehen.

Gerhild Ahnert, Saale-Zeitung, 14. 11.2005